Forum Intersélection été 2012 - Photo Hélène Denamps

A l’occasion du salon Intersélection, les courants de l’été 2012 sont décryptés par Sylvie Maysonnave, chargée de l’élaboration des tendances d’Eurovet.

Coloré, subtil , simple, frais, délicat, fluide et ultra-léger pourraient être quelques uns des mots clés, qui résument les prochaines collections de prêt-à-porter pour la distribution organisée et les enseignes de mode. L’analyse des collections des exposants et des créateurs de la fashion week (New-York, Londres, Milan et Paris) fait apparaître un juste équilibre entre moins de décoration, et plus de travail de coupe avec une attention toute particulière portée aux finitions des vêtements.

Six thèmes animent le forum. Maman les petits bateaux, Colourful, Déserts, Happy Days, Paradis Sub-aquatiques et Paradis Terrestre, qui consacrent le style néo-bourgeois, les gammes acidulées des bonbons anglais et la recherche de simplicité. La robe tient la vedette et s’impose dans des formes vintage, mais adopte également des volumes amples et fluides
pour les versions les plus nouvelles. Une mention spéciale pour le style yéyé, des années pop adopté par les Parisiennes bobo du Canal St Martin.

Place donc à une femme pimpante, adepte des couleurs de macarons, qu’elle prendra soin d’associer à un zest de jaune fluo pour dynamiser les pastels. Espérons que ces nouveaux
courants permettront de revitaliser la mode et donneront de nouveau l’envie de vêtements plus faciles à porter en toute simplicité.

Conférence des tendances à 11h00 jusqu’au 6 octobre à la porte de Versailles.

Cette quatrième édition du Prix de la Mode du Printemps Nation / Ville de Paris, organisé en partenariat avec les Ateliers de Paris avait pour thématique « savoir-faire et accessoires ». Le comité de sélection avait retenu huit finalistes pour leur création de bijoux, ceintures, écharpes, bretelles et chapkas.

Prix du public

Du 12 au 22 septembre, le public du Printemps Nation a pu découvrir l’exposition des collections de Tzuri Gueta, Ambrym, Eloise Fiorentino, Les Bijoux d’Oré, Lilakacemi, De Novembre, Capouche et Las Penelope et a été invité à voter pour son créateur préféré.

Le public du printemps Nation a donc tout particulièrement apprécié les bijoux d’Eloise Fiorentino en métal martelé à la main. Des formes pures et poétiques, qui s’adressent à « des femmes qui aiment la mode et les beaux bijoux agréables à porter et accessibles ». Les sources d’inspiration de la créatrice sont la musique ou les mobiles de Calder, à l’origine d’une des
principales lignes intitulée « Au fil de l’eau ».

Prix du jury

Le jury du Printemps a distingué la création de Dalila Belkacemi, qui se présente comme une « textilienne », qui crée des bijoux hybrides en soie effilochée. Collier, sautoir, ceinture, parure de tête, toutes les options sont possibles pour ces amulettes composées de pierres uniques, de broderies main, de belles dentelles, de tulle cousu de paillettes. La mission de la marque Lilakacemi ? Eveiller la princesse qui sommeille en chacune des femmes.

Le Printemps Nation offrira un espace de vente aux deux lauréates pendant un mois en fin d’année, pour leur permettre de présenter et de vendre leurs collections.

Eloise Fiorentino, Agnès Girard, Dalila Belkacemi, Lyne Cohen-Solal

La cérémonie a été présidée le 22 septembre par Lyne Cohen-Solal, adjointe au Maire de Paris et par Agnès Girard Directrice du magasin Printemps Nation, lieu de shopping de référence de l’est parisien.

Les Ateliers de Paris, dédiés au développement des entreprises de création des métiers d’art, de la mode et du design, ont apporté leur expertise pour les modalités pratiques de mise en œuvre du concours et de sélection des candidats.

Barbès Milenium - Photo Hélène Denamps

Après avoir consacré une partie de son activité « Mode-Couture » à la réutilisation du bleu de travail (Blue line), la créatrice Sakina M’sa lance le manifeste Barbès Milenium.

Plus proche du film « La science des rêves » de Michel Gondry, que du manifeste du parti communiste de Karl Marx et d’Engels, cet évènement, désormais mensuel, est conçu comme une usine à rêve d’échanges culturels.

« Créatifs de tous les pays unissez-vous !», telle pourrait être la citation de ce collectif, qui militent pour activer toute l’alchimie artistique made in Barbès. Le 14 septembre a eu lieu la grande première sous le signe de la bonne humeur. Au programme de la fête, de nombreuses installations et performances artistiques, parmi lesquelles CAM « l’alternative & urban qulture magazine », atelier photo, exposition collages de Shirley Lamy Chaudesaigues, salon de coiffure (pris d’assaut) et buffet avec dégustation de fruits confits tropicaux proposés par « La fabrique de douceurs ». Le stand «Pola-shop » présentait une série de polaroïds collectors prêts à reprendre du service.

Comme le précisait l’invitation : « A Barbès, les voitures ne brûlent pas, les rires sont profonds et inventifs ». Prochaine date de “Give up the funk, Give up Barbès”, le 12 octobre à noter dans les calendriers !

Dans le cadre de ce programme, Ann Leroux, gérante et fondatrice d’Ethos Paris, a présenté la philosophie de la marque de prêt-à-porter, qui associe les notions de commerce équitable et d’écologie. Coton biologique, teinture végétale et amélioration des conditions de vie des salariés travaillant en Bolivie ou à Madagascar, font partie des règles incontournables appliquées au quotidien. Ethos Paris est une marque à suivre….

Anish Kapoor, Monumenta 2011 – Photo Hélène Denamps

Après Anselm Kiefer, Richard Serra et Christian Boltanski, le sculpteur britannique, d’origine indienne investit la Nef du musée parisien. L’ambition de l’artiste était que l’œuvre soit « percutante, qu’elle joue avec l’espace ». Pari du gigantisme gagné, car l’espace est physiquement rempli d’une structure organique en PVC monochrome, de 72 000 m³, gonflée comme un ballon.

L’effet de surprise entraîne le spectateur dans une expérience inédite et sensorielle véhiculée par la couleur .Violet à l’extérieur et rose à l’intérieur. Ombre et lumière, se confrontent pour provoquer l’émerveillement lorsque nous sommes plongés au centre du corps de la sculpture, comme revenu à l’état fœtal. Eclairé par la lumière du jour, la structure métallique de la verrière apparaît par transparence. Nez levé vers le ciel, le spectateur expérimente, symboliquement, la naissance à la vie.

« Un seul objet, une seule forme, une seule couleur ». c’est en ces quelques mots clés, qu’Anish Kapoor résume son projet pour la quatrième édition de Monumenta. L’artiste l’a nommé « Leviathan » en référence au monstre marin de la Bible, prêt au moindre faux pas à anéantir le monde.

Monumenta, Grand Palais
Du 11 mai au 23 juin
www.monumenta.com

The Shadow Collection de Raphaëlle H'Limi-Photo Hélène Denamps

Un parcours sans faute pour Raphëlle H’Limi, jeune créatrice talentueuse, diplômée de Duperré, de l’ENSAV La Cambre à Bruxelles et de l’IFM. Lauréate 2010 du Grand Prix de la Création de la Ville de Paris, elle participe sur sa lancée au salon du prêt-à-porter en début d’année 2011. Un de ses modèles emblématiques (une robe fleur à pétales aquarellés) y est sélectionné pour le forum « Trendwash » d’Alexandra Senes. Dans le magazine ELLE, paru le 25 février dernier, elle fait partie du podium « Nos coup de cœur » pour la fantaisie et le grain de folie appréciés par la rédaction. Quelques jours après la fièvre de la fashion week parisienne, Raphëlle H’Limi, vient de présenter sa nouvelle collection Hiver 2011-2012 intitulée « The shadow Collection ».

 Entre opacité et transparence

Composée de vingt silhouettes, où le noir est à l’honneur, la collection joue sur les contrastes d’opacité et de transparence. La géométrie est toujours présente. Les volumes structurés et détails zippés.  

Les pliages inspirés de l’origami, poursuivent l’écriture d’une marque déjà bien codifiée. Accessoire fétiche, les montures de lunettes (sans verre évidemment !) entourées de fil de laine optent, cette saison,  pour la sobriété. Les robes féminines et raffinées se portent sous un blouson oversized inspiré du teddy. Dans l‘attitude pointe une touche d’insolence et d’inattendu. Le ton est donné.

 Un univers conceptuel

Ambiance d’ombre et de lumière, noir et blanc, Yin et Yang et framboises sur pâtisserie pour la note colorée. Eclairage au néon sur murs blancs et îlot de cubes noirs composent le cadre de l’installation.

Photo Hélène Denamps

A la manière de Vanessa Beecroft, les mannequins habillés posent sur le podium et confirment la volonté de la créatrice de croiser les médias artistiques et féminins. Mode et art contemporain sont au programme de la soirée. En toile de fond, la projection du court-métrage « The Shadow Dance » réalisé par Nathaniel H’Limi.

The Shadow Dance par Nathaniel H'Limi

La video met en scène la nouvelle collection portée avec grâce par la danseuse Maud Jurez. En conclusion, une excellente scénographie, qui donne à l‘ensemble toute sa cohérence. En attendant la suite avec impatience.

L'étoile porte-bonheur de Christian Dior-Photo Hélène Denamps

Jusqu’au 26 mars, le grand magasin de la rive gauche

, présente un écrin intime et luxueux, réunissant la quintessence de l’univers Dior.

Ambiance magique et feutrée en parfaite opposition avec la tempête médiatique, qui entoure le départ de John Galliano de la célèbre maison de l’inventeur du New Look. Dans le titre de l’exposition figurent deux dates : 1947 – 1997.

Le tailleur "Bar" de Christian Dior- Photo Hélène Denamps

La première, 1947,  est celle de la création du mythique tailleur Bar, qui fit s’exclamer la journaliste Carmen Show : « it’s a new look » et la seconde, 1997, la date de la nomination du créateur britannique à la direction artistique de la maison Dior.

La presse en a fait l’écho aujourd’hui. La maison de couture Christian Dior se sépare de John Galliano, en raison des propos racistes et antisémites, tenus par le directeur artistique du fleuron de LVMH. La video, en partie censurée, diffusée par le tabloïd britannique, The Sun, le montre en état d’ébriété déclarer adorer Hitler ainsi que d’autres réparties, très éloignées du scénario de la saga du lady Dior.

Le génie de la provocation

Le toréador, pirate, astronaute, boxeur ou éternel dandy selon l’inspiration tire sa révérence juste avant la fashion week, qui vient de débuter à Paris. « Dans Dior, il y a or » avait coutume de dire Christian Dior. Une alchimie, qui ne fonctionne plus aujourd’hui pour son digne successeur, qui ne transformera plus le plomb en or. Pourtant, lorsque John Galliano présente sa première collection en 1997, le show est accueilli avec enthousiasme, car il s’inspire de l’âge d’or de Dior pour en recréer la magie, qui sera bientôt suivie de provocation.

La collection « Clochardes », du défilé haute couture  printemps/été 2000, avait défrayé la chronique, pour son goût douteux. Les mannequins avaient les pieds emballés dans du papier journal, traînant sur le podium d’énormes sac en nylon rayés directement sortis des rayons de chez Tati. L’imprimé « journal » au style typographique est d’ailleurs resté l’un de ses motifs distinctifs souvent réutilisés dans ses collections.

On se souviendra également des campagnes publicitaires, photographiée par Nick Knight,  où les mannequins enduits d’huile de vidange, sexy and dirty, étaient alanguies dans des poses équivoques. Il s’agissait de la grande période du porno chic, lancée par Tom Ford pour Gucci.

Sa marque de fabrique ?

Coupe complexe et utilisation habile des matériaux. Mélanges inattendus, comme ce tailleur exposé, brodé de sequins et porté avec un collier à anneaux métalliques inspiré de tribus africaines. Réinterprétation des styles historiques. Mise en valeur du corps féminin par une recherche autour du drapé et du biais inspirés des couturiers de l’entre-deux guerre, parmi lesquels Madeleine Vionnet, à qui il vouait une véritable admiration.

L’héritage culturel de Dior

Avant que la page ne soit tournée, le new Look et son mythique tailleur Bar, crée en 1947, jusqu’aux interprétations géniales de John Galliano sont présentés au Bon Marché dans un parcours onirique au cœur de la création Dior. On entre comme dans une boîte de Pandore, qui réserve de multiples surprises. A commencer par les objets mythiques, présentés en taille XXL.

Chaise médaillon Dior XXL

Les visiteurs retrouvent leur âme d’enfants face à l’immense chaise médaillon, impossible à escalader ou l’énorme livre d’histoires parcourant 64 années d’archives de l’illustre maison. Chaque page est  estampillée d’un commentaire de Christian Dior : « Ce sont les règles et les contraintes qui permettent la création » ou daté de 1986 : « la mode n’est faite que de contrastes ».

Le livre virtuel Christian Dior - Photo Hélène Denamps

En vis-à-vis les portraits des créateurs réalisés par des peintres chinois. Zhang Huan pour Christian Dior et Zhang Dali pour celui de John Galliano. Une façon de confirmer la rencontre de Dior et de l’art contemporain.

John Galliano par Zhang Dali - Photo Hélène Denamps

En 2008 Zhang Dali avait eté  sélectionné pour l’exposition « Dior et les artistes chinois » à la fondation Ullens à Pékin par Bernard Arnault, comme représentatif d’un des 20 artistes les plus créatifs de Chine.

Assurer la succession

D’après la presse (Les Echos, propriété de Bernard Arnaud) de nombreux noms circulent, dont celui de Riccardo Tisci, actuel directeur artistique de Givenchy. L’activité de Christian Dior Couture totalise un chiffre d’affaires de 826 millions d’euros et son bénéfice opérationnel 35 millions.

J'adore Dior! Photo Hélène Denamps

La division parfum et cosmétiques pèse à elle seule plus de 3,0 milliards d’euros de chiffre d’affaires, dont la marque Dior, représente environ 50% de ses ventes. Les spéculations vont bon train.

Défilé Sakina M'sa été 2011- Photo Hélène Denamps

Quand la mode devient une affaire de classe qui défie les catégories sociales.

La créatrice Sakina M‘sa, anthropologue de la mode, est adepte de Jean Baudrillard. Elle a été lauréate d’une bourse de soutien à des entrepreneurs sociaux  remise par PPR en juin 2010. Appliquant à l‘habillement la valeur de signe et la logique sociale, Sakina M’sa confirme le brouillage des codes et des catégories sociaux professionnelles dans son défilé de l’été 2011.

Structure et démesure

Les matières nobles et soyeuses sont associées à la gabardine de coton humble et rustique. Les lignes sobres et structurées s’opposent à la générosité des volumes. Ainsi, de l’usine au podium, le bleu de travail recyclé acquiert ses titres de noblesse en accompagnant  un foisonnement de drapés, réalisé par la maison de couture d’insertion Trevo.

Serial Frenesie Sakina M'sa été 2011 - Photo Hélène Denamps

Les veste masculines épaulées, revival des eighties,  sont portées sur des robes ou des jupes courtes féminines.  Le style est au mélange des genres renforcé par des effets de plastrons et de nœuds papillons rouge écarlate.  La gamme de couleurs se compose de teintes neutres et poudrés jusqu’au bleu vif ou rouge flamboyant.

Bleu de travail recyclé Sakina M'sa - Photo Hélène Denamps

Ne manquait finalement, que la traditionnelle robe de mariée, accompagnée d’un prétendant vêtu d’une salopette ou d’un bleu de travail.

Fuck et rock’n roll

P.O.U.F! au défilé de Sakina M'sa - Photo Hélène Denamps

Le défilé était orchestré par les P.O.U.F ! Petite Organisation Ultra Féminine, un groupe composée de femmes à l’image caricaturale et décalée. La blonde pas fufute, la punk déjantée et la brune au grand cœur. Pouf ! Pouf ! Pouf ! était l’intermède susurré entre deux chansons, sans jamais tomber dans la vulgarité.

Du bleu de travail au lifestyle

Twenty-Two Less Two (2009) - Photo Hélène Denamps

Michelangelo Pistoletto a brisé la glace lors d’une performance exceptionnelle au 104, le 11 décembre dernier. Représentant de l’Arte Povera, celui, que l‘on surnomme « l’artiste au miroir » a repris son thème de prédilection de la perception et du double.

L‘installation Twenty-Two Less Two (2009) est composée de vingt-deux grands miroirs encadrés disposés de chaque côté du terre-plein central. Durant la performance, Michelangelo Pistoletto a brisé un à un les miroirs à l’exception de deux d’entre eux.

Michelangelo Pistoletto au 104-Photo Hélène Denamps

Résultat d’une mini explosion galactique, le revêtement noir, qui apparaît alors, symbolise le vide astral. Par le jeu de « réflexion », les éclats et fragments jonchant le sol ont  reflété à l‘infini le portrait des spectateurs, les amenant à « réfléchir » sur leurs propres vies. Aujourd’hui, seuls les miroirs brisés sont encore visibles jusqu’au 9 janvier.

Au nom de la rose - Photo Hélène Denamps

Le langage des fleurs recèle bien des mystères et la rose en est un merveilleux exemple. Selon l’encyclopédie des symboles, la rose « de façon quasi universelle, symbolise la joie de vivre, celle qui éclate à la fin de l’hiver et qui chante la victoire (ne fut-elle que provisoire) de la vie sur la mort. » Une belle manière de débuter l’année en mettant le focus sur l’enseigne « Au Nom de la Rose », le fleuriste atypique, dont le concept est celui de la monofleur.

Ces derniers jours, je passe régulièrement, rue du Cherche-Midi, où est installée l’une des boutiques ateliers de cette enseigne de passionnés de la rose en bouton. La fleur est souvent présentée en bouquets ronds, entourés de pétales, qui jonchent le sol ou les tables de présentation.

Les pétales d'Au nom de la rose - Photo Hélène Denamps

Créée en 1991, avec le soutien de la chanteuse Dany, « Au nom de la Rose » s’est développée autour du triptyque : esthétique, qualité, prix. Il serait possible d’y rajouter l’éthique, liée aux exigences sociales et environnementales imposées au fournisseurs, qui témoignent d’une longue liste de certifications et de labels tels que « Florecuador, KFC, VOPP, leaf, GobalGap, Forimark, MPS Trade ou ISO 9001.

 Une offre variée

De 60 à 100 variétés de roses en provenance de l’Equateur, du Kenya, de la Hollande ou de la France, pour les roses anciennes, sont proposées en boutique avec la garantie d’une durée de vie de cinq jours. La chaîne vend 20 millions de roses par an (une moyenne de 60 000 roses par jour), pour un chiffre d’affaires de 20M€ en 2010 (source Les Echos Entrepreneurs). Les produits dérivés, constitués principalement de cadeaux à offrir, comme des bougies parfumées, des parfums de maison, ou autres gourmandises à la rose représentent 11% du chiffre d’affaires.

Concept monofleur d'Au nom de la rose - Photo Hélène Denamps

 Un réseau international

Le réseau de cette enseigne raffinée et contemporaine compte aujourd’hui 84 boutiques réparties à travers le monde, dont 58 en France et 26 à l’international, tout en poursuivant une double stratégie de succursaliste et de franchiseur. « Nos axes de progression sont une politique de roses exclusives, un développement du réseau de boutiques et le développement de nouveautés produits » précise Farid Djouad-Guibert, directeur général d’ « Au nom de la Rose ». En 2011, Au Nom de la Rose envisage l’ouverture de 12 boutiques, dont 7 en France et 5 à l’étranger. Trois nouvelles implantations sont prévues à Moscou, ce qui portera à 14, le nombre de points de vente en Russie. Le site de vente en ligne, ouvert en 2000, fête cette année ses dix ans et réalise aujourd’hui entre 10 et 15% des ventes de l‘enseigne. Enfin, l’offre pourrait être renforcée par des roses de jardin, qui pourraient enchanter les amateurs de roses dans le monde entier.

 Fleurs et symbolique

Pour revenir au langage des fleurs, l’Encyclopédie des symboles (collection livre de poche) précise, que c’est « l’Antiquité, qui fait remonter l’origine de la rose à la mort d’Adonis, l’amant d’Aphrodite, dont le sang avait fait naître les premières roses rouges. La rose devint alors le symbole de l’amour.

Au XIIIème siècle, la poésie courtoise considérait la rose comme le symbole de l’amour terrestre, sublimé dans la première partie du « Roman de la Rose », écrite par Guillaume de Loris.

 Au XVIème siècle, Pierre de Ronsard invitait Cassandre à une ode célébrant jeunesse éphémère : « Mignonne, allons voir si la rose, Qui ce matin avoit desclose…. »

Bouquets ronds d'Au nom de la rose - Photo Hélène Denamps

Enfin, c’est au cours de la prospérité économique des années 1870, que la symbolique ludique du monde floral connut un essor considérable. La rose banche symbolisait l’amour éternellement pur, a rose rouge, le gage de l‘amour et de la fidélité, le bouton de rose avec épines, tous les espoirs et les doutes de l’amour naissant. Quant aux pétales de rose bancs, ils signifiaient un refus définitif. Les pétales de rose rouges, le « oui », qui scellait les destinées pour le pire et surtout pour le meilleur.